Видео мастер-класс Тагильская лаковая роспись пишем орнамент на подносе

Краткое содержание:

Тагильская роспись: пишем рябину. Видео мастер-класс

Сегодня я хочу показать вам, как пишется рябина в технике тагильской росписи. Понадобятся

круглая беличья кисть номер 3, чуть сплющенная с боков плоскогубцами. Это позволяет выявить «носочек» — то есть более длинный кончик кисти, и «пяточку» — короткий кончик. На видео я это покажу. Соответственно, на» носочек» набирается светлая краска, на «пяточку» — темная, в результате мы получаем двойной мазок. Также будет нужна круглая беличья кисть номер 1.

масляные краски. Для рябины понадобятся следующие цвета: желтый, оранжевый, красный, темно-красный и белый — для ягод и зеленый или коричневый для листьев (я использую для ягод кадмий желтый светлый или средний, кадмий оранжевый, кадмий красный светлый, кадмий красный темный или краплак, белила цинковые. Для листьев можно использовать виридоновую зеленую или английскую красную, хотя с цветом листьев вариаций очень много).

льняное или обычное подсолнечное масло.

стекло. Оно понадобится в качестве палитры. Его можно заменить на стеклянную или пластиковую разделочную доску или готовую палитру из акрила. Главное, чтобы поверхность была ровная и гладкая.

шпатель. Вместо него подойдет обычная металлическая линейка.

тряпка или бумажные салфетки.


Поскольку опыта писания подноса перед камерой у меня немного, ручки немного дрожали от волнения 🙂 Также из-за волнения я могла что-то пропустить, упустить в описании работы, поэтому. если возникнут вопросы — пожалуйста, задавайте, я отвечу.

Продолжительность я указала 1 час, но это, конечно, очень условно.

Единство и отличия жостовской и тагильской росписи по металлу. Народные промыслы, способные стать изюминкой современного интерьера

Современная жизнь народных промыслов – это увлекательная история включения традиций в сегодняшний день. И в интерьерной моде такие идеи и проекты все больше находят популярность. Модные блогеры рассказывают, как бренды русской народной культуры становятся изюминкой интерьера, как они его оживляют, открывая новые грани своего совершенства. Самое время узнать побольше об этих источниках вдохновения. Тема нашей статьи – роспись по металлу. Жостовские и нижнетагильские подносы, истории их создания, особенности исполнения, узоры и мотивы, а также этапы создания и современное развитие промыслов: обо всем этом читайте здесь.

Жостовский поднос

Любителям сочетать старое и новое должны приглянуться эти кованые изделия – в них столько убедительности, стиля и узнаваемых подсознательно черт, что сразу становится ясно, этот предмет должен быть на виду.

История

Знаменитому промыслу скоро исполнится 200 лет. В 1825 году в заведении братьев Вишняковых появились лакированные металлические подносы. Предварили их появление популярные в то время предметы из папье-маше, что после лакировки выглядели нарядно и более солидно. Подносы же стали полноправно одним из флагманов национальной русской культуры – аналогов жостовскому подносу в мире нет.

Жостовская фабрика декоративной росписи

Очень сложно промыслу было невредимым пробраться через лихолетие первой половины 20 века. В 20-30-е годы соцреализм, навязанный линией партии, едва не стал причиной гибели направления. Дело отстояли ведущие художники артели, которые понимали губительность нововведений. А занимались с ними представители элиты живописи – Петр Кончаловский, Борис Ланге, Павел Спасский.

Мотивы и узоры

Главным мотивом росписи стал цветочный букет. Форма цветов живая, реалистичная. Изображениям присуща декоративная обобщенность. Здесь можно угадать знакомые черты народной кистевой росписи на прялках, сундуках, туесках. По старым технологиям декоративных цветочных композиций (букет, гирлянда, венок) жостовские мастера творили свои изображения.

Краски на металле яркие, сочные. Традиционным стал черный фон, но и красные и синие, зеленые подносы с ажуром флористического орнамента прославили промысел. Художественная роспись по металлу балансирует: на фоне неизменных традиционных форм, цветов и композиций появляются и новые, в нежных кофейных оттенках, с одним крупным цветком как центром композиции. Возникновение этих новых ответвлений продлевает жизнь промысла, не лишая его, тем не менее, узнаваемого лица.

Особенность исполнения

Состав лака, которым покрывают подносы, до сих пор засекречен. Его база известна: это копал, особая смола, которую везут из Африки и Азии. Но большей информации у обывателя нет. Известно только, что именно лак помогает подносу долгие годы оставаться в первозданном виде.

Еще одна особенность жостовской лаковой росписи по металлу – объем, внесенный в само изображение. По краям мастер рисует мелкие цветы, на темном фоне они едва различимы. Но именно благодаря им главный узор выступает из таинственной цветовой глубины.

А еще есть у жостовских мастеров и такой предмет для гордости как «копченый» поднос. Этот узор еще называют «под черепаху», «под червячка». Металлические подносы коптят свечным пламенем. Удивительной красоты рисунок получается!

Познавательное видео о жостовских узорах.

Этапы создания

Исторически подносы изготавливались способом ручной ковки, сегодня же часть форм на фабрике производится механизировано. После ковки заготовку обезжиривают, шпатлюют и шлифуют. Поднос становится ровным.

Роспись имеет многослойную структуру:

  • замалевка – автор раскидывает цветовые пятна;
  • тенежка – следует после сушки, мастер наносит лессировочной краской темные участки объектов;
  • чертежка – прочерчиваются светлые контуры лепестков, листочков, бутонов;
  • привязка – на этом этапе пустоты заполняются легкой ажурной травкой, после этого работа передается мастеру-орнаменталисту.

Каждый кованый поднос имеет свой номер, а качество его подтверждается сертификатом. Продаются изделия в крафтовой упаковке.

Современное развитие

Жостовская фабрика активно и очень успешно вступает в коллаборации с известными дизайнерами и декораторами. Например, в 2022 году дизайнер Юлия Герасимова создала вместе с фабрикой коллекцию, основной мыслью которой стал новый русский стиль. Вдохновляли Юлию цветы из собственного сада, а знаменитые жостовские подносы стали богаче, благодаря новому художественному взгляду современных творцов. Такие подносы, к слову, замечательно смотрятся на стене.

В деревне Жостово работает музей промысла, здесь проводятся мастер-классы, можно познакомиться с художниками. Это значит, приобщиться с художественной традиции, известной всему миру, фактически может каждый. Такая открытость и активное общение представителей фабрики с потенциальным покупателем, ценителем русского искусства, однозначно идет на пользу и самому промыслу, и фабрике, и культуре страны в целом.

Видео Урок №40 Роспись «Растительный, фантазийный орнамент. Хохломская роспись»

Нижнетагильская роспись

Жостово, конечно, не нуждается в рекламе. А вот его предшественник, известный как тагильская роспись, увы, не так обласкан вниманием.

История

Более чем два с половиной столетия назад возникла художественная традиция росписи по металлу. Она обрела мощь и сохранилась, благодаря стараниям Н. Демидова, учредившего на своих заводах школу. То есть полностью самобытной тагильскую роспись не назовешь – ученики обретали навыки и умения под грамотным руководством профессионального художника Албычева. Хотя, безусловно, изначально роспись возникла под влиянием иконописцев-старообрядцев.

Нижнетагильский поднос 1850-1860 гг.

Роспись, которая зарождалась на земле Нижнего Тагила, стала так востребована и благодаря уникальному творчеству братьев Худояровых. К слову, именно работы братьев обрели такую славу, что их творчество увлекло и жителей села Жостово – вот откуда появилась традиция, впоследствии ставшая более знаменитой, чем ее вдохновители.

Моя жизнь и мое хобби — это роспись подносов Евгения Новокшонова Нижний Тагил о Тагильском подносе

Мотивы и узоры

Возможно, и не было бы этого промысла, если бы не пластичное и податливое тагильское железо, словно созданное для изготовления подносов. Сначала мода диктовала свое: на подносы художники переносили копии картин. Затем уже начали вырисовываться свои мотивы и узоры.

Мифология и исторические сцены – мастера не боялись таких сложных тем, делая изобразительное повествование содержательным и красочным. Рамку на подносе образовывал золотой орнамент, выведенный по трафарету. Уголки формы венчали вазоны с пышными букетами, а ритмом было выбрано активное движение, композиция всегда четкая, уравновешенная.

Художники неизменно следовали правилам сочетания цветов, которые здесь использовались активно, очень деликатно и гармонично в своем подборе. Это многоцветная живопись по металлу, с учетом мельчайших деталей и вариативностью фона.

Особенности исполнения

Работали тагильские мастера в технике двойного мазка. Впоследствии эту технику возьмут и жостовские художники. Но начинали тагильцы с цировки по цветному фону: такой прием был взят с орнаментации иконописных работ. Поверх золота делали красочный фон, а после того, как краска затвердеет, тонкой иголочкой мастера соскребали краску с золота.

Тагильский лак закреплял всю эту красоту – его состав был гордостью мастеров. Успех обеспечивала точная дозировка ингредиентов и наличие в составе льняного и конопляного масел. В отличие от других лаков, этот обладал особой прозрачностью и завидной прочностью.

Данное видео рассказывает о том, как создается лаковая роспись по металлу.

Этапы создания

Начинают писать поднос с подмалевка, который наносится пальцами. И уже по подмалевку художник работает в технике двойного мазка: на кисть набирается сразу две краски, более светлая оказывается на «носочке» кисти. Так белила ложатся по контуру изображаемого предмета.

Цветы в тагильской росписи пишутся за один прием, такой многослойности, которая сложилась в жостовской традиции, нет. Располагаются цветы тоже свободно, не перекрывая друг друга.

Этапы выглядят примерно так:

  • заполнение фона;
  • композиционный центр – начинают со светлых тонов, каждый элемент прописывается одним мазком;
  • продвижение вглубь изображения, оформление каждого элемента;
  • прорисовка деталей (усиков, веточек, расставление светлых точек);
  • лакировка в несколько слоев.

Мастер класс по росписи подноса. Тагильская роза.

Начинающие учатся тагильской росписи на бумаге, потом переходят к росписи деревянных изделий (досок, например), а роспись по металлу – это уже более профессиональный уровень.

Тагильская лаковая роспись — старинный уральский промысел

Современное развитие

Все желающие могут проникнуться духом старинного направления, посетив Нижнетагильский музей подносного промысла. Он расположился в доме тех самых братьев Худояровых.

Развитие промысла не остановилось, художники, которые продолжают традицию, ищут новые пути, техники, темы. Конкретно сейчас главной задачей мастеров является видоизменение традиционной цветочной росписи. Узнаваемый элемент «тагильская роза» становится более индивидуальным. В современное тагильское творчество внедряются элементы многослойной росписи. Мастера возвращаются к изображению копий известных картин.

К народным промыслам росписи металлических подносов обращаются художники, дизайнеры, декораторы, черпая идеи для своих коллекций и открытий. Потому так здорово и вдохновенно смотрятся культовые вещи национальной культуры в современных интерьерах.

Видео мастер-класс: Тагильская лаковая роспись: пишем орнамент на подносе

Следующий вид — росписи западных районов Архангельской области. На этих территориях можно выделить несколько типов росписей: исследователи обращают внимание на олонецкую (онежскую) и каргопольскую.

Онежская роспись бытовала в нижнем течении реки Онеги. Старой олонецкой росписи по дереву свойственен синий, реже зеленый фон (позже появился красно-коричневый). Основой украшения был цветочный узор в виде вытянутого букета, раскинутого на плоскости. Характерной чертой является декоративность, крупномасштабность письма и свободная, непринужденная кистевая манера; иногда встречаются прялки этого вида, на которых роспись выполнена более сухо и симметрично. Для каргопольских росписей характерен аналогичный цветочный рисунок, порой это букет из четырех красных роз в вазоне. Листья цветов имеют простую форму. В начале XX века на роспись прялок, как и на многие другие элементы народной культуры, оказала влияние городская культура и различные художественные стили, в том числе и стиль модерн. Следы такого влияния можно заметить в росписях прялок, интерьеров и фасадов домов (в т.ч. оконных наличников, ставней).
Онежские прялки около 90 см в высоту, но более изящные, чем каргопольские. Лопастка прялки — узкая, вытянутая, прямоугольная, со скругленными углами.
На темном красно-коричневом фоне вытянутая ветвь-древо с тремя розанами в центре, завершается тюльпаном. Цветок тюльпана начинает цветущую ветвь, а два других размещены между первым и вторым розанами, среди цветов — большие, широкие зеленые листья. Верхний и нижний края лопасти обрамлены элементами, напоминающими занавеси.

Прялки украшены цветами в виде яблока с лепестками. Похожие элементы используются и в каргопольских прялках с резьбой и росписью. Эти онежские прялки выполнены на голубом фоне, который часто встречается на прялках и расписных шкафах в северных краях Архангельской губернии.

“Русская резьба и роспись по дереву”.О.Круглова.М.,”Изобразительное искусство”.1983 г.
“Похвала прялке”.Газета”Правда Севера”.1967 г.,5 августа.
“Крестьянская живопись Заонежья. Искусство Севера.Заонежье”.Государственный институт истории искусств. Л.,”Академия”1927 г.-стр.50.
“Русская народная роспись по дереву”. Ю. Арбат.Издательство “Изобразительное искусство”.М.-1970 г.
Полина

Девочки. вот роспись о которой я говорю, что ее трудно найти. Я представила элементы основные.

Вот Онежская роспись. Но птички на панно не такие как их надо рисовать, а моя импровизация.))

Онежская роспись.
Цвет фона: голубой, коричневый и темно-зеленый.
Цветовая гамма элементов: красный, белый, зеленый, желтый, черная оживка.

Начинают с красного цвета, с основных элементов, затем белый, зеленые листья, желтые и белые оживочки, и оживка черным.

(Все работы принадлежат Полине Эдуардовне)
Художественные особенности кистевых росписей в значительной степени обусловлены приёмом выполнения орнамента кистью от руки без предварительного рисунка. Этот на первый взгляд чисто технический момент во многом определил её стилистический характер. От него шли приёмы живописной разгадки по “чувству”красочных пятен, свобода и непринуждённость композиций, лишённой точной симметрии, разнообразные трактовки мотивов.

С культом растительности, отразившемся на народном творчестве, издавна было связано украшение дома, одежды крестьянина. Человек, в стремлении к искусству, становился мастером и только перед ним вставала тайна художества. Живые силы роста народный мастер воспевал в ростках, плодах, травах, которые изображал на предметах, окружающих его.
Так, например, две птицы на прялке являлись символом счастливой супружеской пары, а птица с птенцами на спине служили символом плодородия.

. Живые силы роста народный мастер воспевал в ростках, плодах, травах, которые изображал на предметах, окружающих его.

Техника живописной Олонецкой росписи отличается простотой.

Ведущая роль отводится цветному фону, чаще всего красно-коричневому или зелёному, реже голубому и жёлтому, который позволяет достигнуть особой звучности росписи при небольшой яркости отдельных красок. В связи с тем, что в Олонецкой росписи фон всегда цветной, мастера работали крупными сочными мазками с применением только белильных “оживок
При первом знакомстве с Олонецкой росписью можно использовать гуашевые краски. Основной инструмент– кисти: крупные, плоские и круглые , беличьи или колонковые. Осваивая роспись, вначале изучают приёмы работы с кистью. Надо положить кисточку черенком на последние фаланги среднего и указательного пальцев и прижать её с верху подушечками большого пальца, мизинец и безымянный пальцы при этом должны быть согнуты, и покатать кисточку вперёд-назад. Затем можно попробовать нанести кисточкой небольшие мазки, провести кружок.

После того, как удастся сделать кружок одним слитным мазком, можно попробовать сделать тоже самое, но с белилами. Надо помнить, что роспись выполняется без предварительного нанесения контуров рисунка, пишут “на глаз”. Необходимо сразу приучаться к цветным фонам и даже первоначальные упражнения выполнять на окрашенной поверхности.

Итак, на расписываемую окрашенную поверхность наносим поочерёдно цветной подмалёвок основных пятен композиции кистью (для нанесения подмалёвок и оживок можно использовать также большой палец, как это делали мастера в прошлом). Затем кисть с несмытой краской опускаем в белила и круглыми мазками, чуть вращая её вокруг “оси”, превращаем подмалёвок в бутон или цветок, ягодку или листок. Благодаря такому мягкому переходу цвета роспись становиться рельефной, объёмной, создаётся впечатление, что в ней присутствуют множество оттенков.

После освоения основного приёма-подмалёвка, изучают простейшие элементы росписи: выполнение травяного мазка, считающегося более простым, но имеющего в завершающей фазе большое значение. Для этого кисть прикладывают в нужную сторону так, чтобы получился лист растения. При изображении стебля, корня, где необходимо сделать изгибающий мазок, кисть во время движении немного вращают вокруг оси в сторону изгиба и отрывают быстро в сторону, чтобы получился небольшой отросток.

Как правило, ветки, стебли и листья в Олонецкой росписи играют второстепенную роль, объединяя мотивы росписи в букеты и цветущие ветви, усиливая орнаментальную композицию.Обычно они пишутся чёрным цветом, часто по красно-коричневому фону. Мастера рисовали листья и ветви зелёным и жёлтым цветом.

“Русская резьба и роспись по дереву”.О.Круглова.М.,”Изобразительное искусство”.1983 г.
“Похвала прялке”.Газета”Правда Севера”.1967 г.,5 августа.
“Крестьянская живопись Заонежья. Искусство Севера.Заонежье”.Государственный институт истории искусств. Л.,”Академия”1927 г.-стр.50.
“Русская народная роспись по дереву”. Ю. Арбат.Издательство “Изобразительное искусство”.М.-1970 г.
Работы современых художников

Композиция в круге поделена на 4 сегмента, это я показала 4 варианта заполнения круга. 1 и 2 сегмент понятно. Сегмент 3 можно делать самостоятельным, а можно плавно перейти из 3 в 4 тем самым получить заполнение половины круга. По тому же принципу композиция и в квадрате.

Информация о пучужской росписи из книги, представленной выше Доминикой
Отличия пучужской росписи от борецкой, первые мастера росписи, использование цветовой гаммы:

Лопастка прялки начала XX в. мастера пучужской росписи Федора Филипповича Кузнецова. Прялка находится в Загорском государственном историко-художественном музее-заповеднике. Композиция прялки типична для Пучуги. Круглые главки расписаны цветами и птицами. Лицевая сторона лопастки разделена на 3 части. Верхняя часть занята растительным узором. По краям — два золотых оконца. На их подоконниках — цветы. Средняя часть украшена пышным ветвистым кустом с традиционными для Пучуги листьями, которые заканчиваются ягодами. На верхушке куста — две птицы. Нижняя часть лопастки занята сценой катания. Пара лошадей, золотая и зеленая, запряжена в кибитку. Кучер одет в обычную крестьянскую одежду — поддевку и войлочную шапку. На сережках тщательно выписаны птички. Все свободное пространство композиции занято растительным узором. Основные цвета росписи: ярко-красный, ярко-зеленый, синий по белому и золотому фону.

Современные работы. Я не знаю их автора, даже не нашла сайт, откуда скачала. Но они там продавались
Фотографии в альбоме «Пучужская роспись — образцы работ из интернета» mudrik.natalya на Яндекс.Фотках

Народные художественные промыслы Кировской области мало изучены, хотя существует целый ряд работ, в которых рассматриваются вопросы происхождения того или иного промысла. Многие статические издания второй половины XIX – начала XX века являются великолепными источниками по истории, технологии, организации производства, ассортименту изделий всех основных видов промыслов. Так, например, из одних мы узнаём, что основным богатством Вятской губернии был лес, занимающий во второй половине XIX века 60% территории, и большая часть промыслов была связана с лесозаготовкой, лесообработкой и деревообрабатывающими ремёслами. В шести уездах Вятской губернии, исследованных земским статическим бюро, 58% кустарей занимались обработкой дерева. Одних названий ремёсел, относящихся к этому роду кустарной промышленности, насчитывалось свыше сорока. В области художественной обработки дерева работали: столяры – мебельщики, сундучники; токари – посудники; резчики – изготовители прялок, вальков, трепал, ложкари, трубочники, игрушечники; бондари, бурачники, расписнчики посуды и утвари, красильщики домов, живописцы и другие.

Изделия вятских сундучников показывали на всероссийских выставках, где они получали заслуженные награды.
-Это Солнечные кони

Время возникновения промысла в вятской губернии, в частности в Вятском уезде, относится примерно к середине 20-х годов XIX века. На первых порах сундуки изготавливали из толстых сосновых тесин, и чтобы как-то облагородить грубую поверхность, их стали красить, а потом и расписывать. Когда же спрос на сундуки заметно возрос, и не только у местных покупателей, их для удобства перевозки стали делать из тонких и лёгких пиленых досок, и притом складнями – «укладками», на подобии матрёшек вставляющимися один в другого по 5-6, а то и по 7 сундуков различной величины в одном складне.

Форма сундуков с самого начала производства почти не изменялась, лишь только крышки по требованию городских покупателей иногда делали прямыми, а не выпуклыми.

Красили сундуки для сельских жителей красным цветом, расписывали белым и зелёным или чёрным и жёлтым. Городские покупатели предпочитали синюю и зелёную окраску и роспись под железную оковку.

При окраске вместо кистей использовали заячьи лапки. Инструментом в росписи служили чеканы – деревянные палочки длинной примерно 18 сантиметров, различной толщины, с вырезанными на торцах изображениями цветов, крестиков, звёздочек и других узоров. Чеканы делали сами сундучники.

Сделав несколько укладок сундуков, не менее трёх, приступали к окраске. Прежде всего из обрезков овечьей кожи приготавливали клей. Этим клеем с помощью заячьей лапки или кисти из луба покрывали с верху белый сундук и пока клей не высох мастера красили сундук со всех сторон, кроме задней стороны и дна. Эта окраска являлась фоном для росписи. Потом сундук покрывали слоем клея и начинали расписывать.

Прежде всего с помощью линейки и циркуля намечали тонкими линиями членения композиции. Во0первых на поверхности всех окрашенных стенок рисовали широкую раму. Такой же широкой полосой переднюю стенку и крышку делили на два разных квадрата, в них проводили диагонали, на пересечении которых рисовали окружности. Иногда углы квадратов отмечали наугольниками, в центре рисовали ромбы, а в ромбах круги. Ромбы и круги закрашивали сплошь каким-нибудь из участвующих в росписи цветов. Когда краски просыхали, всю поверхность крышки и стенок расписывали зелёным краской или голландской сажей под оковку, а затем жёлтым кроном или белилами печатали чеканами разные узоры.

Современную роспись наносят на поверхность сундучков и коробочек мягкими беличьими или колонковыми кистями, окраску фона производят флейцем или широкой плоской щетинной кистью.

После сушки расписанного изделия в течение 2-3 часов при температуре 18-23 градусов производят его лакирование. Для этой цели используют нитроцеллюлозные лаки. Сушка изделия после лакирования 30-60 минут при комнатной температуре.

Современная кировская роспись очень простая в освоении. Её приёмы доступны детям школьного возраста. Она хорошо смотрится на столярных изделиях.
Фото из музея

-На этой доске мы видим резетку, которая говорит о цветущей и плодоносящей земле, птичка сидящая на ветвяз говорит о единений человека с Богом.
Я хочу показать Вам работы художницы Галины Устиновой, которая практически в одиночку возрождает вятскую роспись.
Вятская роспись уникальна – она самобытна, духовна и имеет в своей основе древнеславянскую ведическую культуру.
Рисовали ее на сундуках, прялках, досках…заячьей лапкой.
Каждый символ росписи имеет свой смысл, это
Линий – восхождение духа,
Дерево – энергий жизни , радости, символ мироздания — символизирует формирование благополучия и достатка на будующий год.
Ладья символ движения Солнца по небу.
Точка — сфера и вращение,
Круг — солнце,
Несколько кругов – солнце идет по небу,
Ромб – символ плодородия, продолжения жизни, охраняемые Божественным Светом и направленные на четыре стороны света.
Цветок в центре (розетка) – символ цветущей и плодоносящей Земли.
Резные розетки вверху и внизу – обозначают движение Солнца по небу, а так же вечное движение Божественной энергий на Земле и на Небе, которые непрерывно связаны между собой.
Боковой орнамент в виде стилизованных цепочек ягод, обозначает Божественное плодородие.
Ростки (грины) – пожелания добра,
Птички – посредники между небом и землей.символ вестей, небесные посланники,
Птички обращенные друг к другу – символизирует восход и закат солнца непрерывный круговорот энергий в мире.
Львы – охранный мужской символ
Небесные олени по обе стороны от Древа — символы удачи.

А посмотрите, какие замечательные работы по этой росписи у детей.
Все фотографии найдены в инете.

Петербургская роспись возникла на основе изучения подносов, созданных в 19 веке в Петербурге. Это особенный строгий и изысканный стиль, сообтветствующий облику города на Неве:чугунные решетки, золотые купола, белые ночи.
К сожалению, роспись сегодня практически неизвестна. Возрождается усилиями художников и преподавателей школ Бут М.П., Тихоновой Н.А.
Цветовая гамма: черный, белый и золото.
Информация взята из интернета и сайта «Золотое время»
Несколько работ Тихоновой .Н.А.

Цветы белых ночей

Белой ночью расцветают чудесные цветы. Разворачиваются нежные, почти воздушные белые лепестки и богатые золотые листья. Ночь окутывает их черным бархатом, укрывая на время мимолетней темноты. Растут эти цветы на черных подносах, шкатулках, вазах.

В традиционно-прикладном искусстве наиболее ярко проявляется мироощущение народа. Каждое изделие «привязано» к определенной местности. Эта связь историческая, географическая, культурная. Как тут не вспомнить «пламя» Хохломы, пышные букеты Волхова, строгость Северной Двины

Одним из примеров является «Петербургская роспись». Сейчас это малоизвестный вид бытового искусства. А в конце XIX — начале XX века на черном фоне подносов начали распускаться белые, полупрозрачные цветы с золотыми листьями. Яркость и красота сочетались с простотой исполнения. Но для приобретения известности не хватило времени — в тяжелое революционное время было не до «красоты и загадочности».

Так роспись «канула в лету». К счастью, усилиями энтузиастов этот вид росписи сегодня вновь живет, и мы можем увидеть эти прекрасные цветы. Хочется отметить, что возрождают это искусство в основном учителя школ Санкт-Петербурга: Тихонова Надежда Александровна (учитель ИЗО школы №500), Бут Марина Павловна (учитель ИЗО школы №391) и др. Работая с детьми, они передают бесценное культурное наследие.

Основными мотивами рисунка являются цветы: нарциссы, пионы, ромашки; композиция характеризуется изяществом и динамизмом. Особым приёмом можно считать активное использование фона, как дополнительного изобразительного элемента. Белый и золотой полупрозрачные мазки кладутся так, чтобы проявляющийся фон создавал неповторимую атмосферу загадочности.

Сегодня роспись приобретает новое звучание. Мы с вами являемся свидетелями рождения нового вида промысла: «Петербургской росписи». Роспись украшает уже не только подносы – теперь и вазы, шкатулки, панно поражают изысканностью и изяществом. Петербург возвращает свой стиль, свой неповторимый стиль.

Сегодня на фабрике «Владимирские узоры» возрождаются старинные ремесла, роспись. К сожалению, до наших дней не сохранились произведения древнерусского искусства росписи по дереву, какой она была на древней Владимирской земле.Вначале мастера подражали технологии изготовления и росписи основным элементам классическо Хохломы. Затем постепенно начались поиски своей манеры письма. К первым шагам новых художественных решений можно отнести элементы Мстерской вышивки. Определились основные цвета росписи:бежевый, черный, красный, зеленый.А элементами росписи- рябина, малина, крыжевник, барбарис, вишня, яблоко,т.д.Отличительной особенностью мастеров в украшениях деревянных изделий можно назвать несколько тонкостей в технике росписи, делающими изделия неопхожими ни на какие другие. Оставляя при росписи изделия фрагменты некрашенного дерева, используя уникальную только им технику тампонирования, позволяющую на фоне наложенного рисунка раскрыть объем .

По материалам сайтов «Российский подарок»,»Колокольная галерея», фотографии из интернета.

Волховская роспись возникла на берегу реки Волхов в конце ХIХ века. Расписывались в основном прялки. Изначально роспись не отдичалась особой красоточностью. Отличительной особенностью росписи был переходной мазок, когда один цвет переходил в другой. С развитием промысла уже в 70-80 годах нашега века, эта роспись художественно была переработана мастерами. Стали использовать более богатую цветовую палитру, различные композиционные рашения, появились кроме цветов новые элементы (птицы, рыбки, фрукты).
Выполняется мазок особым способом — на кисть набирается сразу два-три цвета.При мазке один цвет переходит плавно в другой, что воссоздает игру света приросписи цветов, фруктов, растениях.
Одним из мастеров Волховской росписи является Бут М.П. и Чечерина Л.Н.

В помощь начинающему художнику

Это небольшое пособие поможет Вам самостоятельно освоить некоторые приемы Волховской цветочной росписи для Ваших первых изделий.
Ваша первая композиция будет состоять из одного цветка и листьев. В дальнейшем Вы сможете самостоятельно создавать более сложные сюжеты. Успехов.

Что необходимо для начала работы.

Набор гуаши.
Набор заготовок из дерева.
Клей ПВА.
Кисти: колонок №1, белка№3 и №5.
Палитра (может быть блюдце…)
Баночка для воды и баночка для грунта.
Карандаш и резинка.
Бумага для рисования.
Желание творить.

Подготовим изделие для работы с краской. Для этого выльем немного клея ПВА в баночку и добавим примерно в 3 раза больше воды. Хорошо размешаем.
Кистью нанесем полученный грунт на изделие и дайте высохнуть.
Немного гуаши положите на палитру, и добавьте клей ПВА примерно в 3 раза меньше по количеству, чем гуаши и воду. Разведите краску до состояния «жидкой сметаны».
Таким образом, подготовьте те цвета, которые будете использовать в росписи.
Карандашом нанесем тонкие линии на изделии в тех местах, где будут располагаться листья и цветок.

Сначала попробуйте выполнить мазки на бумаге. Когда рука приобретет уверенность, переходите на деревянное изделие.

Возьмите кисть белка №5, наполните полностью ворс кисти краской подготовленной на палитре, кончик кисти макните в другую краску.
Кисть плотно приложите к поверхности (сначала попробуйте на бумаге) так, что бы ворс «распластался» по поверхности.
Двигайте кисть, одновременно поднимая её. Таким образом, у Вас должна получиться капелька, в которой один цвет сменяется другим.

Если при выполнении капельки кисть сдвигать вправо-влево,то получим изогнутую линию.Такие элементы применяют при исполнении цветов ,лицтьев и фруктов

Теперь попробуите выполнить мазок по окружности

Слегка сдвигая кисть при движении в одну из сторон, Вы можете нарисовать основной элемент листьев.

Потренировавшись выполнять прямой мазок, выполните мазок по окружности. Вы получите лепесток цветка.

Оживка выполняется кистью колонок №1.
Наберите на кисть краску и проводя кистью линию, постепенно прижимайте кисть к поверхности, а затем так же плавно поднимайте её.
Вы получите линию постепенно утолщающуюся к середине. Это один из вариантов оживки – травка.
Другой вариант, может быть получен, если кисть не поднимать, а «примакнуть» в конце мазка к поверхности. Получится капелька.
Попробуйте на листе разные варианты оживки. Создайте на их основе несколько композиций.

введем в рисунок мелкие элементы (цветы ,травку,ягоды).Выполним оживку крупных элементов белилалми
Цветок (Розан)

Розан обычно имеет форму окружности, центр располагается в нижней трети на вертикальной оси.
Определите цент Розана и последовательными мазками нарисуйте сначала корону цветка, а затем нижнюю часть. Обратите внимание на то, что мазки имеют разный размер.
Поставьте в цент Розана яркую точку. Выполните оживку цветка.

Источник www.culture-people.com
Красота из из просторов интернета-стремимся и мы к совершенству

В XVIII-XIX веках в окрестностях Липецка существовала масса мелких кустарей, которые изготавливали предметы быта из дерева. Резали мастера ложки-плошки, а чтоб служили дольше и продавались лучше, пропитывали их маслами и наносили несложные элементы орнамента сначала естественными, а потом анилиновыми красителями в основном красного, черного, синего и зеленого цветов в виде волнистых, прямых линий, кружков, розеток, точек.

В начале XIX века производство деревянной посуды стало вытесняться более дешевыми и практичными изделиями из фарфора, фаянса, металла.
Возрождение промысла на липецкой земле произошло 25 апреля 1971 года, когда на базе углебрикетной фабрики был создан цех художественной росписи. Инициатором этого события был Евгений Прокофьевич Чалых — в то время начальник управления топливной промышленности. Именно с его легкой руки были приглашены в город Липецк из города Семёнова Горьковской области несколько талантливых художников, токарей и резчиков, ставших «творческими родителями» появившейся в 1974 году фабрики «Липецкие узоры». Много сил к становлению липецкой школы приложили Е.И. Архипов, Д.И. Карпов, К.И. Левин, А.И. Малясова, А.П. Напылова, А.С. Прытков, Г.Н. Пальцева, З.В. Прыткова, М.Ф. Пачуева.
Но с особой теплотой и любовью вспоминают на фабрике Марфу Фёдоровну Синёву.
Марфа Федоровна Синёва — мастер традиционной хохломской росписи, заслуженный художник РФ, лауреат Государственной премии имени Ильи Репина. Более 25 лет она являлась главным художником предприятия народных художественных промыслов «Липецкие узоры». Сегодня Марфа Федоровна – автор росписи более 300 уникальных произведений декоративно-прикладного искусства. Они хранятся в музее народного и декоративно – прикладного искусства Липецка, в Русском музее Санкт-Петербурга, в музеях Нижегородской области, в частных собраниях России, Франции, Германии, Италии, США, Японии

Работы Марфы Синевой
Источник – Городской портал г. Липецк

Кроме привнесенного из Хохломы стиля орнаментальной росписи, на фабрике существовало параллельное направление лаковой миниатюры. Именно это соседство оказало значительное влияние на становление липецкого стиля росписи. Рисунок становился более сложным, объёмным. Художники использовали в своей работе не только четыре хохломских цвета — красный, черный, желтый и зеленый— предписанные традицией-догмой. Краски липецкой росписи — все цвета радости — изумрудный, пурпурный, лазурный.
Большое влияние на становление стиля «Липецких узоров» оказало изучение мотивов елецких кружев, их композиционного настроения. Много времени провели художницы, входившие в творческую группу фабрики, в Липецком краеведческом музее: изучали историю икон, флору и фауну родного края, поэтому часто в липецкой росписи встречаются изображения бабочек, птиц, рыбок и стилизованных животных.
Более богатая и живописная южнорусская природа предопределила «парчёвый» характер орнамента, а спелый пшеничный колосок стал символом благополучия в липецких мотивах.
За 30-летнюю историю фабрика «Липецкие узоры» участвовала в огромном количестве выставок и конкурсов. Только за 1999-2000 годы она получила более 20 дипломов, благодарностей, почетных грамот и медалей.
Продукция фабрики была среди призов Олимпиады-80, Всемирного фестиваля молодежи и студентов, «Кубка Кремля» многих других соревнований, использовалась в качестве подарков почетным гостям к юбилейным и знаменательным датам нашей страны.
Источник

Декоративная роспись Урала — одно из самобытнейших явлений русского народного искусства. Она включает в себя гармоничную и поразительную по своей цельности роспись бытовых вещей: берестяной посуды, деревянной утвари, металлических изделий и распространённый среди крестьянства обычай расписывать свои дома.

Возникновение и распространение росписи связано с миграцией русского населения на Урал, пик которой, особенно у старообрядцев, пришелся на XVIII—XIX вв.

Урало-сибирская роспись выполняется при помощи масляных красок.

Ее отличие состоит в том, что роспись совершается без термической обработки, то есть холодным способом.

Основные мотивы росписи — цветы, ягоды, фрукты, виноград, травки и веточки. Реже используются фигуры птиц, животных и человека. Травки и веточки в композиции играют вспомогательную роль, объединяя мотивы в компактные букеты и в то же время, обогащая фон, внося разнообразие в композицию.

Как уже указывалось, для урало-сибирской росписи характерно использование контраста, что, в частности, проявляется в обрамлении элементов рисунка линией контрастного цвета — оранжевый — темно-синий, зеленый — красный и т.п. Кроме того, для нее свойственны особая техника белильной разживки, густые неразбавленные цвета, равномерность фона.

МАСТЕР-КЛАСС ОТ МАРИНУЛИ

Ловите первый урок.

1.На кисть (белка №4,№5 и т.д) набрать гуашь так, чтобы кисть полностью была загруженна краской.Кисть при этом становиться плоской. Кстати,можно рисовать и плоской кистью.
2.Этой же кистью проводим ОДИНОЙ СТОРОНОЙ по другого цвета краски , получается набор краски на один бок.
3. Получается двухцветный мазок.

Вот так рисуетса цветок поэтапно

-Один из листочков. В следующей фотке вы увидите какое разнообразие листочков. Какой листочек вас озадачил-пишите, покажу поэтапное рисование.
-Вот цветочки и ягодки этой росписи. И как сами видите — наши любимы оживки и трвки, как в хохломе и городце.
Фруктики,грибочки

Балакина Ольга является деятельным пропагандистом кемеровской росписи
УРОК — статья «Кемеровская роспись» автор — Санникова Наталья Тимофеевна , преподаватель

Pассмотрим одну из школ Уpaло-Сибирской росписи: Кемеровскую . Ее отличительной особенностью является двухцветный мазок который получается, когда на один край плоской кисти набирают основной цвет, а на другой — более светлый, затем проводят несколько раз по палитре и получают цветовую растяжку.

Тема 1. Знакомство с росписью.

Необходимы материалы: наждачная бумага, лак ПФ – 283, деревянные и металлические заготовки разной формы, масляные художественные краски, гуашь, кисти художественные ( колонок, нейлон, белка), мастихины, ветошь, масло растительное, скипидар, бумага для эскизов, мыло, рабочие халаты, клеенки.

Тема 1. Знакомство с Урало-Сибирской росписью.
Дeкopaтивнaя роспись Урала – одно из самобытнейших явлений русского народного искусства. Она включает в себя гармоничную и поразительную по своей цельности роспись бытовых вещей: берестяной посуды, деревянной утвари, металлических изделий и распространенный среди крестьянства обычай расписывать свои дома.

Становление уральской школы росписи протекало несколькими этапами, что связано с периодами колонизации 3ауралья. Так в 16 -17 вв. на культуру уральского крестьянства большое влияние оказала культура русского севера, поморья, откуда были первые переселенцы. Но уже в 18 — 19 вв. внесла свои коррективы народная культура Украины, Поволжья, Вятского края, центральных областей. Переселенцы везли с собой культуру, обычаи, жизненный уклад той местности, откуда переселялись.

Со второй половины 17 в. на Уpaлe складываются два направления расписной утвари:

роспись металлических изделий, которая находилась в поселках при демидовских заводах — Нижнесалдинском, Невьянском, Нижнетагильском;
роспись деревянных изделий, которая стала ремеслом сельских paйoнов Урала и была сосредоточена в наиболее населенных поселках.
Покрывали изделия цветочной росписью. Самой распространенной композицией был букет. При написании композиционного центра краской основного цвета пальцами наносили подмалевок, затем, взяв кисть, прописывали лепестки цветов, оттеняя их белилами, наносили оживку на листья. Заканчивали прописью травок. Смешение крacок происходило на самой работе, т.к. на непросохший еще подмалевок наносили моделирующую оживку. Благодаря этому создавались мягкие переходы от одного цвета к другому.

Мы рассмотрим одну из школ Уpaло-Сибирской росписи: Кемеровскую . Ее отличительной особенностью является двухцветный мазок который получается, когда на один край плоской кисти набирают основной цвет, а на другой — более светлый, затем проводят несколько раз по палитре и получают цветовую растяжку.

Инструменты:
1.Нейлоновые кисти: плоская № 8-12, № 3-4, беличьи или колонковые № 1-2.
2.Палитра из стекла размером 20 * 30 см.
3.Ветошь, порезанная на квадратики около 10 см, чтобы протирать кисти, и банка для грязной ветоши.

Материалы:
1.Грунт для металлических поверхностей (служит для выравнивания поверхности заготовки и лучшего сцепления металла и эмали).
2.Эмаль черная для окраски фона (черный цвет выбран не случайно, он как бы символизирует Кузбасс, как угледобывающий край).
3.Масляные краски, доведенные до нужной консистенции (она должна напоминать густую сметану).
4.Разбавители: для масляных красок — любое растительное масло (лучше подсолнечное нерафинированное, т.к. оно сохнет быстрее).
5.Лак ПФ-283 или ПФ-231.
6.Металлическая (стеклянная или деревянная посуда) заготовка.

Тема 2. Элементы росписи .

1.Все цветы вписываются в круг или овал. На этапе знакомства с цветками их форму можно прорисовывать точками или штрихами.
2.Центр цветка всегда занижен относительно геометрического центра.
3.Набираем краску на кисть и начинаем с переднего плана прописывать сначала одну сторону цветка, затем вновь набираем краску и прописываем также с переднего плана другую сторону цветка, как бы в зеркальном отражении. В процессе работы краски на кисти остается всё меньше, она становится прозрачнее, темнее и лепестки зрительно становятся дальше.

Задание 2.1. Ромашка.

Наиболее простой в исполнении цветок, т.к. только в ней используется простой одноцветный мазок. Его особенностью является использование тенёжки.

Тенёжка наносится более темным цветом, приближенным к фону, предназначена для того, чтобы облегчить работу с тенью. Когда мазки основного цвета последовательно заводят на тенёжку, происходит смешение красок, и наиболее удаленные от переднего плана мазки приобретают более темную окраску.

Правила построения цветка ромашки:

1.Наносим тенежку. Она должна повторять форму цветка, но быть на 0,5-l см меньше в диаметре.

2. Цветок симметричен по вертикальной оси, поэтому начинаем наносить мазки сначала с одной стороны цветка, затем вновь набираем основную краскy и продолжаем наносить мазки, начиная с переднего плана цветка.

3.Следует помнить, что мазки переднего плана наиболее широкие и светлые, а чем удаленнее, тем уже и темнее.

4.Набираем на плоскость кисти № З на один угол красную и на другой — желтую краски,
выполняем цветовую растяжку на палитре и делаем округлый мазок в центре цветка.

5.Разводим желтую краску до состояния жидкой сметаны, обмакиваем зубочистку и наносим тычинки от переднего края влево, затем снова набираем краску и продолжаем наносить мазки от переднего края вправо. Благодаря такой технике на переднем плане тычинки будут более яркими и крупными, еще больше подчеркивая передний план.

Задание 2.2. Листья.

Как и в предыдущем задании, мы будем использовать тенёжку, но здесь она расположена от середины до конца листа.

Правила построения:

1.Для того чтобы облегчить задачу нарисуем пунктиром форму листа и разделим его осью по середине.

2.Набираем двухцветный мазок (зелено-желтый или зелено-белый) и начинаем наносить мазки от осевой линии к нарисованному контуру, при этом светлая сторона мазка должна быть с краю листика. Конец мазка мы слегка закругляем. Следующий мазок наносим также от осевой линии и на l мм поверх предыдущего мазка, делаем его чуть короче. По тому же принципу выполняем остальные мазки.

3.Для второй половины листика вновь набираем краску и выполняем роспись в той же последовательности, что и первая половина листика. При правильно выполненном задании на поверхности листика будут видны прожилки.

4.Тонкой кистью №1 набираем светло-зеленую краску, приписываем черенок листика и при необходимости — хвостик.

1.Рисуем тенежку и цветоножку кистью № 10
2.Набираем бело-охристый двухцветный мазок
3.Принцип построения тот же, что у ромашки, отличие состоит в наложении мазков, они получаются сдвоенные
4.В центре цветка выкручиваем сердцевину овальной формы (кис. №3)
5.Коричневой или черной краской рисуем тычинки (кис. № l)
6.Выполняем привязку: тонкой кистью прорисовываем стебельки и травки, смягчая переход между цветком и фоном.

Задание 2.4. Ирис.

Двойной двухцветный мазок.

1.Наносим тенёжку более темным цветом чем предполагаемый цветок.
2.Набираем двухцветный мазок на плоскую широкую кисть и двойными, как бы заостренными мазками, в направлении от центра, прописываем первый ярус лепестков. Сначала одну половину. Вновь набираем краску на кисть и прописываем вторую половину первого яруса.
3.Набираем краску для второго яруса лепестков, при этом мазок должен быть светлее, чем на первом ярусе лепестков. Пишем лепестки в той же последовательности, что на первом ярусе. Для третьего и последующих ярусов прописываем только лепестки заднего плана.
4.Средней кистью и более светлой краской прописываем чашечку цветка.

Задание 2.6. Шиповник.

Закругленный двойной мазок.

1.На плоскую кисть № 10 набираем двухцветный мазок. На этот раз будем придерживаться формы — oвaл, центр цветка ниже геометрического центра.
2.Наиболее яркие и широкие мазки расположены на переднем плане. Закругленный двойной мазок выполняют следующим образом: ставят кисть вертикально к поверхности изделия, слегка нажимают и ведут к себе, ослабляют нажим, затем вновь постепенно увеличивают нажим, одновременно прокручивая кисть пальцами, снова ослабляют нажим и выводят кисть к центру цветка. При этом кисть должна встать перпендикулярно к поверхности.
3.Прописываем лепестки от переднего плана к заднему, сначалa левую сторону цветка потом — правую. Не забываем, что для каждой половины цветка мы обновляем краску и пишем ей сначала лепесток переднего плана, а затем по порядку последующие, при этом уменьшая мазки. С каждым мазком краски на кисти остается все меньше и лепестки получаются более прозрачные, зрительно как бы удаляясь, сливаются с фоном.
4.Набираем краску более светлого цвета на кисть № 3 и одним горизонтальным мазком выписываем чашечку цветка.
5.Тонкой кистью пишем тычинки.

Задание 2.7. Pозa.

Правила выполнения двухъярусных цветов.

Форма цветка и мазков такая же как у шиповника, отличие состоит в написании дополнительных ярусов лепестков.

Первый ярус лепестков пишем так же как шиповник. Для второго набираем краску, при этом мазок должен быть светлее, чем на первом ярусе лепестков. В той же последовательности прописываем второй ярус лепестков. Третий и последующие ярусы прописываем выше центра, ближе к заднему плану. Мазки последних ярусов (центра цветка) должны быть темнее основного цвета, а переход от светлого к темному — резче.

Отличается так же и форма чашечки, она может состоять из 2-х и более мазков, расположенных симметрично. При этом, чем ближе к центру, тем мазки светлее и короче. Краска для написания чашечки должна быть более жидкой, чем для написания цветка и обновляться по мере загрязнения кисти.

Задание 2.8. Травка.

Разновидности дополнительных элементов росписи.

Травками связывают букет с фоном тоненькими завитками из «усиков» и трав, которая собирает композицию в одно целое и создает постепенный линейно-графический и тональный переход от живописи к фону.

Травки разнообразны по форме, стилю и способу написания: это и хвоя, и папоротник, и различные колосья и злаки и т.д.

Обычную травку пишут так:

Поставьте кончик кисти на бумагу и медленно двигайте кисть к себе, постепенно прижимая ее к плоскости бумаги. Завершая написание элемента, ведите кисть в ту сторону, куда должен лечь мазок, постепенно отрывайте кисть от плоскости листа.

1.Прописывают тонкой кистью стебель и отходящие от него веточки.
2.Набирают на широкую кисть двухцветный мазок и ставят кисть перпендикулярно поверхности изделия, кистью как бы постукивают вдоль стебля, при этом остаются «лохматые» полосочки, напоминающие листья папоротника. Чем ближе они к концу стебля, тем больше поворот кисти.

1.Рисуем стебель с капелькой на конце.
2.Набираем темно-зеленый цвет и прописываем первый ярус хвои, закругляя ее к концу.
3.Набираем более светлый оттенок зеленого и прописываем второй ярус хвои, он должен быть на 0,5 — 0,8 см короче предыдущего.
4.По тому же принципу прописываем 3-й ярус.
5.Еще сильнее высветляем краску, мазки располагаем над стеблем.
Все этапы работы выполняются кистью № 1.

Остальные травки рекомендуется сделать ученикам самостоятельно.

Красивый ОРНАМЕНТ золотом. Kulikova.pro

ИCТОЧHИК
Тема 3. Обработка заготовок.

Отличие материалов и способов обработки деревянных и металлических заготовок.

Технология подготовки изделий под роспись:

1.Обезжиривание производят в печах при t = 300о С. При отсутствии печей масляный слой снимают ацетоном.
2.Нанесение грунта предназначено для выравнивания поверхности заготовки и лучшего сцепления металлa и эмали. В зависимости от состoяния заготовки наносят до 3-х слоев грунта, с просушиванием каждого слоя в печах при t = 200о – 250о С и шлифовкой каждого слоя.
3.Покрытие заготовки эмалью в 1-2 слоя, с последующим просушивaнием каждого слоя в печах при t =150о – 180о С и шлифовкой.
4.Выполнение росписи, с последующим пpосушиванием в печах при t не более 60о С, т.к. пигмент красок может изменить свой цвет.
5.Выполнение орнамента по борту изделия.
6.Заключительный этап — лакирование, обычно 2 слоя с просушиванием каждого при t = 40о – 50о С и шлифовкой первого слоя.

3адание 3.1. Обезжиривание, нанесение грунта.

Задание 3.2. Шлифовка первого слоя.

3адание 3.3. Покрытие заготовки эмалью.

3адание 3.4. Выравнивание поверхности, подготовка под роспись.

Тема 4. Виды фона.

Способы нанесения, его влияние на предмет.

Фон в росписи используется для придания дополнительной декоративности изделию. Используется как дополнительная смысловая нагрузка при работе над тематическими и сюжетными композициями.

Задание 4.1. Правила нанесения тоновой растяжки.

1.На палитре разводим краску до однородной консистенции, широкой кистью равномерно наносим ее на изделие.
2.Тканевым тампоном разравниваем краску.
3.Набираем на кисть краску более темного или светлого цвeта, в зависимости от желаемого результата, и наносим на места которые желаем затемнить (высветлить).
4.Растушевываем при помощи тампона.

Задание 4.2. Использование копчения для достижения декоративного эффекта.

1.Наносим фон. (см. Задание 4.1.)
2.Зажигаем свечу и держа заготовку над огнем, слегка поворачиваем ее.
Используя копчение, можно получить огромное множество совершенно непохожих друг на друга изделий. Вместо свечи можно использовать другие горючие материалы, например, промасленную ткань, керосиновую лампу и т.д. Результат, вследствие таких экспериментов, может получиться очень интересным и неожиданным.

Существуют и другие способы разделки фона – это «под малахит» и «под черепaху». На черный фон изделия наносят краску, соответственно зеленую или коричневую (можно использовать различные оттенки), затем свернутой бумагой, рваным ее краем, процарапываем линии, имитирующие рисунок малахита или черепахового панцир.

Тема 5. Взаимосочетание элементов росписи.

Позволяет закрепить ранее пройденный материал, провести корректировку знаний и навыков, отработать ошибки.

Способы выделения переднего плана.

Как уже отмечалось ранее, передний план цветка состоит из наиболее ярких или светлых мазков, котopыe к тому же и самые крупные. По тому же принципу выделяется и центр композиции:

1.Состоит из самых крупных цветов и листьев.
2.Центр – это наиболее яркие цветовые пятна.

Задание 5.1. Построить небольшую композицию из ромашек и листьев.

Задание 5.2. Композиция из лилий и вытянутых травок.

Тагильская роспись. Семейная мастерская Коськиных

Использование рефлекса в росписи.

Kак известно предметы оказывают цветовое влияние друг на друга. Эта закономерность используется и в росписи.

Выполнить их довольно просто: при написании какого- либо элемента, чуть заводим кистъ на ближайший к нему элемент, в резулътате смешения красок получаем край необычного цвета. Учитываем так же соседство других элементов росписи при наборе краски для чашечки цветка: так у голубого цветка может быть розоватая чашечка, при соседстве с красным цветком и наоборот.

Задание 5.3. Разноцветные ирисы и листья.

Задание 5.4. Пионы и бутоны, объединенные травками.

Задание 5.5. Шиповник: цветы и плоды, листья и травки.

Техника работы по сырому фону.

Довольно сложная техника. Здесь фон выступаeт как тенежка: после 2-3 мазков на поверхности изделия уже почти не видны остальные мазки. Для наиболее светлых элеметов необходимо набирать более жидкую краску.

Задание 5.6. Розы разнообразные по форме и цвету.

Задание 5.7. «Сибирский букет» — фантазия с использованием элементов: шишки, хвоя, птицы, сибирские растения. Целесообразно использовать фотографии и рисунки цветов, птиц

Тема 6. Виды композиций Кемеровской росписи, их особенности.

Композиции варьируются в зависимости от формы изделия на котором будет выполняться роспись.

Разновидности композиции «Букет». Для этой композиции характерен четко выраженный центр, обычно соответствующий центру изделия, либо находящийся немного ниже его. Вся композиция вписывается в круг или овал.

Особенности композиции «Венок». Чередование примерно одинаковых по размеру элементов, вписанных в круг или ленту. При этом светлая сторона цветов обращена в середину полосы.

Разновидность композиции «Венок» – «Полувенок». Нечто среднее между «букетом» и «венком». Выраженный центр и форма полосы, сужающейся к концам.

Техника построения композиции «Конверт» или роспись с углов – соответствует названию – небольшие композиции в углах изделия и маленький «букет» в центре.

Тема 7. Орнамент.

Важность орнамента в завершении работы над изделием невозможно переоценить. Без орнаментальной отделки изделие выглядит незаконченным, как картина без рамы.

Основные элементы орнамента.

Любой самый сложный орнамент состоит из простых элементов: это капельки, скобки, травки, штрихи, завитки и др. Собранные воедино они создают удивительную по красоте композицию, подчеркивающую форму изделия.

Последовательность выполнения орнамента.

Сначала приготавливают краску: для нее берут бронзовую пасту, лак и скипидар. Все составляющие смешивают на палитре мастихином до получения однородной массы. В качестве растворителя пользуются скипидаром, т.к. масса быстро подсыхает. Орнамент выполняют кистью №1, дополнительные элементы – круглыми кистями с заостренным концом № 2-5.

1.Выполняют направляющие (скобки, завитки).
2.Намечают сложные элементы (вензеля) если они есть.
3.Прописывают дополнительные элементы (капельки, точки, травки и т.д.). В орнамент можно вводить и живописные элементы – цветы, лепестки, ягодки и пр.

Основной прием тагильской росписи — маховое письмо двухцветным мазком.
На кисточку набирается сразу две или даже три краски. С первого раза набрасывается эскиз. Затем, чтобы добавить объема, делается «оживка» и бликовка.
Мастера использовали различные темы: пейзажи, животных, птиц, бытовые и мифологические сюжеты, но наибольшей популярностью пользовались цветы.
Тагильская роспись — яркая, нарядная, фантазийная завоевала популярность во всем мире.

Tагильская роспись

Тагильская роспись основана благодаря мастеру Демидову и его потомкам в 18 веке.Основанная на самобытном народном творчестве роспись называлась — горнозаводская.
В то время существовала техника письма, которой расписывали шкатулки и подносы, столы и сундуки. Это и послужила своеобразным толчком для развития промысла.
Тагильская живопись — это необыкновенный подносный промысел. Зародился промысел во время того, как в Россию из Европы пришла мода на лакированные изделия.

Мастерами становились крестьяне-самоучки — Яков Журавлев, Андрей Худояров с сыновьями, эти художники внесли большой вклад в развитие живописно-лакировального мастерства в Нижнем Тагиле.

В гости к Худояровым.

Картина Степана Худоярова “Молодой садовник”

Счастливой особенностью музейного дела Нижнего Тагила является то, что все наши филиалы располагаются в зданиях, где действительно жили и работали люди, которым посвящены экспозиции. Музей Бондина находится в последней квартире писателя, городской — в помещении бывшего демидовского заводоуправления. Новый филиал разместился в деревянном двухэтажном особняке, который в XIX веке принадлежат знаменитому тагильскому мастеру Исааку Федоровичу Худоярову (1807—1879 годы).

Исаак Федорович имел к подносному делу самое прямое отношение. Он считался одним из лучших крепостных художников, кому контора Демидовых поручала выполнение самых почетных заказных изделий. Его мастерская пользовалась особым уважением и почитанием местных жителей. Кроме того, мастер в совершенстве владел искусством своих предков-старообрядцев — иконописью, создавал уникальные станковые произведения — звонкие и чистые по краскам, празднично-декоративные, достоверные и точные в каждой своей детали.

В домашней мастерской И.Ф. Худоярова, как и у других мастеров, подносы, шкатулки, столики но только расписывались и украшались. Здесь же готовили краски. На мраморной доске специальными пестиками — курантами терпеливо и тщательно растирали порошки минералов, руд, цветные глины с маслом. Доски и куранты у всех были одинаковыми, а вот рецепты красок у каждого — свой. И хранились эти знания технологии в глубокой тайне.

Жостовская роспись орнамента

Из работ самого Исаака Федоровича до нас дошли поднос и несколько шкатулок. Великолепна самая большая из них. На крышку упало солнечное пятно. И из черной глубины фона трепетно и нежно потянулись за золотистым лучом легкие лепестки роз, вспыхнули чистой лазурью коробочки вьюнка, заблестели звездочки незабудок, торжественно — благородно зазвучали аккорды зелени. Все работы Худояровых с секретом. Однако он не скрыт за надежными и хитроумными замочками, а спокойно лежит и блестит прямо на поверхности изделий. Роспись покрыта тонкой и прозрачной пленочкой — это лак, рецепт приготовления которого был главной ценностью, доставшейся Исааку в наследство от отца Федора (1740-1828 гг.) и дяди Вавилы. В народе лак называли стеклянным, хрустальным, а чаще по имени изобретателей: “худояровским белым”.

В Музее истории подносного промысла вас обязательно привлечет интересный чертеж: план и фасад московского дома Никиты Акинфиевича Демидова. Для одной из комнат этого дворца — личного кабинета хозяина — по его распоряжению, Вавила и Федор Худояровы из листового железа изготовили 280 “досок”, покрыли их своим сильным “белым” лаком и расписали. По специальным книгам, присланным Н.А. Демидовым, с соблюдением всей точности в пропорциях, рисунке и колерах, крепостные мастера в 1782—83 годах украсили дощечки птичками и цветами. Знаток живописи, коллекционер, человек тонкого и изысканного вкуса, каким слыл Никита Акинфиевич, высоко оценил работу тагильских художников.

Старший сын Федора Худоярова — Павел, как и отец, имел свою лакировальную мастерскую и совмещал в одном лице иконописца и живописца железных изделий. Павел Федорович по поручению заводоуправления принимал участие в росписи купола Выйско-Никольской церкви (1830-40-е годы), писал иконы для Введенской. В 1819 году копия, которую художник снял с работы старого французского мастера Койпеля “Жертвоприношение Ифигении”, быта помещена на выставке в С. Петербурге. Совет Академии удостоил автора награды за то, что художнику удалось передать “душу оригинала”.

Младший сын Федора Худоярова — Степан. В 1828 году в возрасте 18 лет по воле Н.Н. Демидова он был отправлен в Италию для изучения живописи. Учителем его стал молодой выпускник Академии художеств, пансионер Общества поощрения художников К.П. Брюллов. Видимо, именно в тот период и был написан Степаном “Молодой садовник”, который стал сейчас настоящим украшением экспозиции Музея истории подносного промысла.

Два племянника Степана Худоярова — Василий и Вонифатий — также стали профессиональными художниками. Получив вольную, они закончили Академию художеств. Работы Худояровых хранятся в музеях Москвы, Ленинграда, Перми, Иркутска. Несколько небольших картин названных авторов мы тоже предлагаем вашему вниманию.

Семья Худояровых была не единственной творческой династией, принесшей славу тагильским лакам. Начиная с XVIII века, искусство росписи и лакировки передавалось в семьях Дубасниковых, Перезоловых, Бердниковых, Лебедевых, Чаусовых. Владельцы крупных мастерских широко использовали наемный труд и постоянно, в традиционное для торга врем отправляли большие партии лакировальных изделий на большие ярмарки России.

Недешево стоили великолепные подносы — картины, украшенные мифологическими, историческими, жанровыми сценами, заимствованные крепостными мастерами с печатных гравюр. Были в продаже и специальные картины на железе. Наш музей обладает таким уникальным экспонатом. Это “Вид высокогорского железного рудника”, написанный на куске листового железа в первой половине прошлого века Т.К. Перезоловым.

В конце XIX — начале XX веков подносный промысел приходит в упадок: снижается качество росписи, сокращается количество мастерских и т.п. Но отдельные сохранившиеся работы позволяют утверждать: уровень отделки подносов продолжает оставаться достаточно высоким. Особенно широкое распространение получает техника орнаментальной отделки через трафаретку. Только золотным орнаментом выполнен огромный поднос — скатерть, вышедший из мастерской Архипа Артемьевича Ушакова (1905 г.), и изящный, камерный поднос — ид мастерской Михаила Феоктистовича Обухова. Трафаретки у тагильских мастеров были удивительно тонкими, сложными по рисунку и обилию деталей. Их вы сможете рассмотреть в нашем новом музее, и обратите внимание, — только у нас, так как эти экспонаты уникальные!

После, революции, в 20 — 30-х годах в Нижнем Тагиле изготовлением подносов занимались металлообрабатывающие артели “Пролетарии”, “Металлист”, “Красная заря”. В 1958-м артели объединились и появилось новое предприятие — завод эмалированной посуды, при котором возник цех росписи и лакировки подносов. А значит, сохранилось, выжило старинное искусство лаковой росписи, постоянно вбирающее в себя людей талантливых, преданных, щедрых на выдумку и фантазию. Посмотрите, разве не радует, что рядом с “розанами” старейшего художника цеха Агриппины Васильевны Афанасьевой, смело и уверенно раскрывают лепестки пышные бутоны В.П. Полевой-Гробовой, манят к себе свежестью, чистыми, звонкими красками цветы Л.И. Кизиловой, певучи розовые венчики у Т.В. Гуляевой.

Совсем недавно творческая группа цеха росписи освоила ягодную тематику. А сегодня восхищают своим разнообразием, оригинальностью, вкусом “рябиновое кружево” Т. Юдиной, хрупкая и изысканная “Брусничка” Н. Кошкиной, “Калинка” В. Полевой и О. Максименюк.

Молодые художники увлеклись возрождением сложной техники отделки подносов через трафарет и сюжетом. Удивительно созвучной романтичной душе юной О. Гавриловой-Ивановой оказалась сказочная тема. Ею подготовлена целая серия панно по сказам П.П. Бажова. А Ирина Решетова виртуозно работает с трафаретом. Неожиданно появились и птички на подносах Т. Шарф и Л. Алиментьевой. А подготовкой квалифицированных кадров занимается СПТУ № 49. Бережно растят молодые таланты опытные преподаватели П.Г. Гусевская, Ю.П. Семенюк.
О. СИЛОНОВА.
Литература: Газета «Тагильский рабочий» от 31.05.1991.

Tагильская роспись

Живет память о мастерах

Это дом Худояровых, ныне музей тагильского подноса .

Династия Худояровых, а их было четыре поколения, прославила свою фамилию искусной росписью подносов и тайной хрустального (стеклянного) лака. Родоначальником династии тагильских мастеров — живописцев считается Андрей Степанович Худояров (1722- 1804), оказавшийся на тагильской земле в 60-70-х годах XVIII века. Он создал свою мастерскую и занимался росписью железных изделий.

Сыновья Андрея Степановича Федор (1740-1828) и младший Вавила (1755-1794) продолжили живописное мастерство. Вавила умел изображать сцены красками, серебром, золотом. на меди, железе, бумаге и дереве. Сам составлял краски. По заказам Н.А. Демидова они выполняли работы для дворцов в Москве и Петербурге. В 1785 году Вавила и Федор Худояровы расписали столик для хранения бумаг.

Этот столик поступил в музей Нижнего Тагила в 1979 году. У Федора Андреевича Худоярова было три сына: Павел, Исаак и Степан, они оставили заметный след в истории уральской живописи XIX века.

Действительно, они были не только продолжателями дела старших Худояровых, мастеров росписи по металлу, но и авторами живописных полотен. Так, Павел Федорович (1802- 1860) создал картины “Листобойный цех”. “Высокогорский рудник”, Исаак (1807-1879) — “Гулянье на Лисьей горе”. К тому же он был одним из первых тагильских садоводов.

Как рассказывала внучка художника Ольга Худоярова, узоры для разрисовки подносов Исаак Федорович брал с цветов в своем саду.

А его младший брат Степан (1810-1865) в 1828 году вместе с двумя другими способными учениками был послан по распоряжению Н. Демидова в Италию для усовершенствования в живописи, попал под руководство выдающегося русского художника Карла Брюллова. Именно он стал первым уральским живописцем, который получил известность в России под именем Федорова.

Кисти Степана Федорова — Худоярова принадлежит картина “Иван Сусанин”. Кроме того, он же проявил себя и как художник мозаичного отделения Академии художеств в Петербурге, участвовал в отделке Исаакиевского собора в северной столице.

Четвертое поколение художников связано с именами Василия Павловича (1831- 1891) — сына Павла Худоярова и Вонифатия Исааковича (1841-1870) — одного из 13 детей Исаака. Оба учились в Петербурге в Академии художеств и получили звание “свободного художника”.

Дом Худояровых находился раньше на улице Береговой (ныне ул. Горького, 23). Большой, двухэтажный, со многими окнами на две стороны. С одной они глядели прямо на реку Тагил. Дом был куплен Худояровыми, а с 1848 года по завещанию принадлежал Исааку Федоровичу. Здесь же была мастерская по изготовлению и росписи подносов. Исаак Федорович разбил при доме большой сад. Выращивал многие виды редких цветущих растений, кустарников, любил розы. Красоту садовых цветов переносил на свои лакированные изделия.

С приходом Советской власти дом был передан под коммунальные квартиры, внутренняя планировка изменена, сад запущен. До наших дней он не сохранился. Лет десять назад дом снесли, так как стал он уже достаточно ветхим, возраст преклонный — около 200 лет. На этом месте сейчас построены частные гаражи. А чуть выше места, где стоял ранее дом Худояровых, ближе к улице Тагильской возрожден новый. Реставрация велась по сохранившимся в архивах планам. И вот в конце мая 1991 года восстановленный дом Худояровых распахнул двери для посетителей музея истории подносного промысла.

Литература: Газета «Тагильский рабочий» от 29.08.1991.

Бытовая утварь оформлялась яркими сочными красками в реалистической жизнеутверждающей манере. Юмор, меткая выдумка, оригинальность
сделали тагильскую роспись широко известной в пору расцвета в национальном искусстве декоративной живописи.

Художественно — стилевые направления:

1) «маховоё» письмо в один мазок ;
2) многослойная роспись.

Основатели — мастера: Худояровы, Перезолов и Дубасниковы.
Краски: травяные в отличие от минеральных слабо держали роспись на металле.
Разноцветные каменья изменились в пудру, замешивались на льняном, ореховом, маковом масле с добавлением натуральных смол. После настаивания в плотно закупоренных сосудах краски разбавлялись секретной олифой и были готовы к употреблению.

ЛАКИ — родина лаков — Япония, Китай, Копал — общая название реликтовых смол ныне почти и исчезнувших деревьев тропического пояса. Он придавал лаковой плёнке прочность, влагостойкость. Секрет лака Худояровых заключался в точной дозировке компонентов: копало, льняного или конопляного масло, терпентина местных хвойных пород, растворяемых скипидаром и оптимальный температурной росписи. На востоке применялся холодный способ лакирования. Тагильчане изобрели, горячий способ при температуре t* в 300 градусов быстрого высыхания в лак добавляли окислы марганца и свинца. Лак получался бесцветным, прозрачным, что оживляло краски.

СЮЖЕТЫ РОСПИСИ — от простеньких букетов цветов к пейзажам, бытовым сценам, до античных сюжетов. Темы для письма черпались из известных картин, гравюр, народного лубка, житейских буден, праздников и окружающей природы. Своеобразие уральской росписи заключается в том, что художник берёт на кисть сразу несколько оттенков краски. С первого раза набрасывается эскиз. Затем, чтобы головки бутонов выглядели объёмными, делятся «оживка» и бликовка.

Обязательно посмотрите видео «Тагильская роспись подносов» (Тагил-ТВ):

Tагильская роспись

. Этот город заинтересовал меня давно. С той самой студенческой поры, когда в квартире университетского преподавателя я увидела старинный поднос,
овальный, с тонким прорезным, словно кружевным, бортиком; в блестящей темно-синей глубине нежно светился, нет, плыл букет желтых и белых роз.
Помню, долго не могла отвести глаз от живых, как мне казалось, цветов.

Идея создания этого центра принадлежит Нине Викторовне Чистяковой.
Здесь можно полюбоваться росписью многих мастеров, заказать авторам поднос с понравившимся сюжетом.

Главная задача выставки в музее изобразительного искусства — определить состояние дел в промысле.

Аревьева Ираида Агеевна

Афанасьева Агриппина Васильевна

Бинас Татьяна Дмитриевна

Вардугина Елена Александровна

Веселков Сергей Васильевич

Гуляева Татьяна Васильевна

Кизилова Любовь Ивановна

Маркина Мария Геннадьевна

Матукова Ольга Александровна

Новокшонова Евгения

Tагильская роспись

Отмахова Елена Леонидовна

Полева Вера Павловна

Посаженникова Ирина Владимировна

Смыкова Ирина Григорьевна

Торкотюк Галина Ивановна

Шевченко Лариса Кимовна

Юдина Тамара Владимировна

Художница — преподаватель Татьяна Кудрявцева рисует тагильскую розу.

Жостовский поднос || Учебная роспись

(жми на фото)

Автор — Татьяна Кудрявцева

Баканов И.М. «Село Палех»
1934, шкатулка

История Палеха уходит в глубокую древность.
В XV веке село Палех входило в состав Владимиро-Суздальских земель. По Духовному завещанию Ивана Грозного 1572 года село Палех было в поместном владении его сына Иоанна. В 1616 году Палех значится поместьем Василия Ивановича Острогубова и вдовы Юрия Ивановича Острогубова. Вскоре оно было пожаловано в вотчинное владение Ивану Бутурлину «за московское осадное сидение королевичево», то есть за участие в войне против польско-литовской интервенции. По писцовым книгам 1628-1630 годов Владимирского уезда Боголюбского стана Палех является вотчиной Ивана Бутурлина и его детей.

Есть и легенда — «Палех возник в те буйные годы глубокой древности, когла на Владимиро-Суздальскую Русь шли несметные татарские полчища. В глухие леса и болота бежало разоренное население и уносило с собой иконы. Татары жгли леса. «была великая Палиха» — отсюда и пошло название Палех.
Описывая лаковую миниатюру Палеха, справедливо употребляют термины: «всемирно известная», «утонченная», «изысканная», «драгоценная», и многие другие.

Создавая малотиражные, а зачастую и уникальные, штучные произведения, мастера Палеха противопоставляют промышленному производству предметов и сувениров массового потребления вещи, созданные вручную, сохраняющие индивидуальные особенности творчества живого мастера и старинных технологий обработки традиционных материалов. Именно такие изделия, будучи самодостаточными и самоценными произведениями прикладного искусства, могут удовлетворить вкусы отдельно взятого человека, украсить его быт и, в то же время полностью выполнять свои утилитарные функции.

Возможности применения палехского искусства не ограничиваются только шкатулками и ларцами, иконами и ювелирными изделиями. К ним относится и полиграфия, и портретная живопись, и оформление интерьеров лаковыми панно и холстами, а так же изготовление значков, оригинальных бизнес-сувениров, и многое другое

Обращаясь к лучшим образцам древнерусского и русского иконописного творчества, палехские мастера привнесли в свои работы декоративность и яркие краски природы, характерные для традиций народного искусства. При сложившейся общности стилистических проявлений, каждый мастер обладает своим персональным, узнаваемым почерком.

Традиционными мотивами палехских художников изначально считались сказочные и литературные сюжеты, исторически события и бытовые сценки, фольклор. Однако уже через короткое время в творчестве миниатюристов появились темы индустриализации и колхозного движения, сражений Великой отечественной войны, полетов в космос.

Каждое время неизбежно предъявляет художнику свои требования, заставляя анализировать пройденное, стимулирует к дальнейшему развитию. Сегодня одновременно с возрождением иконописания, в Палехе появились талантливые художники, творчески осмысливающие искусство модерна, русского авангарда, живописного наследия Востока, других классических и современных направлений

Название промысла происходит от названия села Палех.

Искусство росписи Палеха еще совсем молодое, ему всего чуть более 70 лет.

Палехские иконописцы расписывали чудесными фресками церкви и храмы по всей России. Даже в Московском Кремле, в «золотой», как ее иногда называли, Грановитой палате работали мастера из Палеха — братья Белоусовы.

Но время шло, искусство Палеха оказалось вдруг никому не нужным. Обиделись многие художники и уехали из родных мест в поисках лучшей доли. «Палех уже умирает или вымирает, его не воскресить», — еще в 1901 году писал А.П. Чехов.

Новую славу Палеху принесло искусство лаковой живописи на шкатулках из папье-маше. И живы традиции старинных мастеров-иконописцев.

. Вьется алый плащ богатыря, победившего злодея; по морю синему плывет на всех парусах кораблик царевича Гвидона; в высоком тереме красна девица ждет удалого молодца. Под кистью мастера рождаются пейзажи родной стороны — и сияет золотое солнце, текут быстрые реки.

Мстерская миниатюра, вид традиционной русской миниатюрной живописи темперной краской на папье-маше, сложившийся к началу 1930-х гг. в поселке Мстера на основе местного иконописного промысла.

Поселок Мстера, бывшая дореволюционная Богоявленская слобода, живой уголок Владимирской земли, уникален богатством развитых здесь издавна художественных промыслов: иконописного, вышивального, чеканного, лубочного.

Тагильские подносы_Открытие выставки

Основой для развития лаковой миниатюры послужили местные иконописные традиции, существовавшие здесь конца XVIII века.

Мстерская миниатюра восприняла художественные традиции древнерусской живописи и народного творчества.

Местом действия персонажей миниатюр чаще всего является тщательно разработанный пейзаж или ансамбль «русских палат».

Это отличает мстерскую миниатюру от палехской, композиции которой написаны на черном фоне.

Вслед за Палехом и наряду с Холуем Мстера стала родиной нового вида искусства — лаковой миниатюрной живописи на папье-маше. Бывшие иконописцы создали его на основе традиций самого консервативного из искусств, проявив подлинное творческое новаторство. Миниатюра Мстеры вобрала в себя многие особенности иконописи, в частности, новгородских и строгановских писем XVII века. Переход старых мастеров к новому искусству и создание ими стиля миниатюры был процессом закономерным, естественно вытекавшим из потомственного ремесла и его канонов. В то же время условность приемов стала органичной и неотъемлемой частью искусства Мстеры, ведь всякая условность в народном искусстве основана на восприятии реального, и кроме опыта прошлого, другим вечным родником, питающим творчество художников, является природа и современная действительность, преобразованные в русло местной художественной системы. Разные мастера избирательно подходили к отдельным элементам канона и по-своему их интерпретировали. Таким образом, на тончайших нюансах изменений и перестройки внутри системы местного искусства происходит, с одной стороны, развитие традиций, а с другой — формирование авторских манер миниатюристов в недрах общего стиля искусства промысла. На таком неразрывном единстве зиждется глубоко народный характер мстерской миниатюры.

От Москвы до Холуя, что в Ивановской области, 360 километров. Этот путь в середине XVIII века занимал 5-6 дней, а сегодня 5-6 часов. Красота этих мест привлекает многочисленных туристов в любое время года.

Река Теза хоть и небольшая, но глубокая, с широкими весенними разливами, по одной из версий и дала название этим местам. На Руси плетёные из ивняка запруды для ловли рыбы, иначе говоря, сетки, называли холуем. С помощью таких сеток перегораживали реки не на всю длину, а наискосок. А рыбы в Тезе было много — её ловили и для себя, и на продажу. Вот места эти и стали называть Холуем. Историю Холуя как торгово-промышленного села можно условно разделить на три периода, если принимать во внимание занятость населения в определённой сфере деятельности. Основу благосостояния жителей в разные периоды составляли солеварение, иконопись и лаковая миниатюра.

По рассказам директора Холуйского художественного училища Михаила Печкина, первая известная на сегодняшний день грамота, в которой упоминается село, датирована 1543 годом

«Ученые иконописное искусство Палеха, Мстёры и Холуя называют древнерусской живописью. Они же утверждают, что раньше всех из них иконописание возникло в Холуе. Первыми иконописцами были монахи Холуйского Троицкого монастыря, который принадлежал Троице-Сергиевой лавре», — отметил директор компании «Русская Лаковая Миниатюра» Владимир Чиркин.

C начала XVIII века иконописное искусство в Холуе развивалось стремительно, что отчасти было обусловлено постоянно растущим спросом на иконы. Здешние творения поставлялись в северные губернии России — Вологодскую, Архангельскую, Олонецкую, Петербургскую, и в саму столицу. Более того, холуйские мастера получали заказы из-за границы: Болгарии, Македонии и Сербии.

Тагильская роспись Рябиновый поднос Часть 1

«Пройдя множество этапов становления, художники пришли к росписи лаковой миниатюры на папье-маше. Первые опыты миниатюрной живописи относятся к 1932 году. Художники Холуя, как и Палеха и Мстёры, явились основателями нового искусства — русской лаковой миниатюры на папье-маше», — рассказывает Чиркин

Изготовление шкатулки рукотворно на всех этапах её производства. Всё начинается с изготовления трубок из папье-маше, которые служат телом шкатулки. Картон наматывают слоями, прессуют и варят в льняном масле. Это длительный и трудоёмкий процесс, который в дальнейшем гарантирует долгие годы жизни произведению лаковой миниатюры. После этого готовые трубки шлифуют, нарезают по высоте будущего произведения, полученные полуфабрикаты соединяют с помощью клея на натуральной основе. Затем окончательно шлифуют каждую грань, грунтуют и отдают шкатулки в покраску, где их по несколько раз лакируют черным снаружи и красным внутри. Причем каждый слой лака должен сохнуть минимум сутки, наставляет Чиркин.

Член союза художников России Лев Никонов уже более 30 лет занимается лаковой миниатюрой. Приехал он в Холуй из Юрьевца и помнит, что его стремление к рисованию и учёбе проявилось очень рано. «В школу я убежал из дома в шесть лет, как Филиппок, хоть она и находилась в другой деревне. В седьмом классе твёрдо решил стать художником», — рассказывает он. Учась в Холуйской художественной профтехшколе, он был среди лучших, умел быстро схватывать характерные черты, обладал широкой раскованной живописной манерой. А дипломная работа «Мой дед», написанная в классических традициях холуйской миниатюры и посвященная истории семьи, и поныне считается одной из лучших в училище и принимает участие во многих выставках.

Краски — а это яичная темпера, то есть смесь уксуса, воды, желтка и пигмента — художник делает и подбирает индивидуально. За красками следует черед сусального золота, которое полируют, только не удивляйтесь, волчьим зубом. И опять лакировка — не менее пяти раз — и полировка. И всё это вручную, женскими, можно сказать девичьими руками. «Никакая механизация нам не помогает», — подтверждает Никонов.

Холуйские художники с 1937 года участвовали во Всемирной выставке в Париже, где им были присуждены бронзовые медали, а в 1939 году их работы демонстрировались на Всемирной выставке в Нью-Йорке.

Период расцвета холуйской лаковой миниатюры пришелся на 50-60-е годы. По мнению Чиркина, разнообразие тем, сюжетов, своеобразное направление в русской лаковой миниатюре позволило местным творцам найти свой путь, отличный от Палеха и Мстеры. Художники Холуя, приняв наследство от старых мастеров, сумели развить это искусство, сделать его современным, сохранить лучшие традиции лаковой миниатюры, ее народную основу.

Современные работы ежегодно участвуют в выставках-продажах как в России, так и за границей, получают медали и занимают призовые места. Среди холуйских художников есть как народные и заслуженные, так и молодые да ранние, но очень талантливые.

«Холуй — село древнее. С XVI века все жители здесь уже занимались иконописью. Своих детей, чтобы подготовить к будущей жизни, для иконописания они готовили дома, в своих мастерских. В 1883 году здесь открыли Холуйскую иконописную школу, но после революции её закрыли. В 1935 году открыли профтехшколу, которая стала готовить живописцев, но, просуществовав шесть лет, она тоже была закрыта. В 1943-м открыли профтехшколу, которая стала готовить молодых специалистов для лаковой миниатюры. С тех пор в нашем училище два отделения — лаковой миниатюры и художественной вышивки. Это те профессии, которые бытовали в Холуе в XVI-XVIII веках. То есть мы учим тому, чем занимались здесь наши предки», — рассказывает директор Холуйского художественного училища Михаил Печкин.Лаковая миниатюра — искусство высочайшего уровня. В разнообразном русском декоративно-прикладном и народном искусстве, по мнению Чиркина, лаковой миниатюрной живописи отдается предпочтение за уникальность и красоту. Лаковая миниатюра рукотворна, очень трудоемка и сложна как в исполнении, так и в понимании. «Проработав много лет в промысле, могу с уверенностью сказать, что фактически работу пишет не столько художник, сколько время. Потому что со временем работы приобретают глубокий древний вид, неизменно сохраняя при этом сочность живописи», — отмечает Никонов.

Тагильская роспись. Пишем рябинку, часть 5

Кстати, он уверен в том, что в наше сумасшедшее время нет ничего прекраснее, чем отдохнуть от суеты людской, приехать в эти прекрасные места и полюбоваться издавна знаменитыми изделиями русской лаковой миниатюры. «Я приехал в Холуй и как-то прирос к этой земле. Понравилась эта красивая деревня с морем цветов в летнюю пору и золотым листопадом осенью», — задумчиво произносит мастер, и ты понимаешь, что не прикипеть ему было попросту невозможно.

Галина Жукова, РИА.Туризм

По преданию, Коробов вывез из Германии, из города Брауншвейга, нескольких мастеров, знающих технологию изготовления табакерок из папье-маше и способы их росписи. Опыт иностранцев вскоре был освоен и развит местными мастерами.

К середине XIX в. лукутинские лаки, названные так по фамилии купцов Лукутиных — преемников Коробова, встали на уровень с европейскими лаками и даже превосходили их по крепости лака и качеству отделки, что не раз подтверждалось дипломами и отзывами на международных ярмарках.

Лукутинские миниатюры на изделиях из папье-маше — табакерках, чайницах, баулах, коробках, очешниках, игольницах — отличались от европейских миниатюр своим ярко выраженным национальным характером сюжетов и своеобразными приемами письма. Наибольшую популярность получили тройки, мчащиеся то по пыльным дорогам — «летние тройки», то среди снежного пейзажа — «зимние тройки». В первом случае тройки связываются со свадебными обрядами, во втором — с праздником веселой русской масленицы.

Тагильская роспись Пишем рябинку. Часть 3

Создавались миниатюры и на всевозможные крестьянские мотивы: хороводы, пляски, работы на полях, бытовые сцены и т.п. При этом художники-миниатюристы опирались на русскую литографию первой половины XIX в., на картины русских художников, которые являлись как бы прототипами федоскинских миниатюр-импровизаций.

Лукутинское производство просуществовало до 1904 г.
В 1910 г. группа бывших лукутинских мастеров организовала «Федоскинскую артель живописцев» на базе ликвидированной лукутинской фабрики. Художественная традиция русской лаковой миниатюры не прерывалась.
В советское время артель окрепла. Развивая лучшие художественные традиции своего искусства, федоскинские художники отражают темы современной действительности, пишут портреты выдающихся политических деятелей и представителей русской культуры, создают миниатюры на сказочные (рис.3) и исторические сюжеты. Большое место в их творчестве занимает лирический пейзаж Подмосковья.

Сегодня в Федоскине (на Федоскинской фабрике миниатюрной живописи) в светлых мастерских работает около двухсот живописцев, имеется художественная профтехшкола и при ней — музей миниатюрной живописи.

Виды изделий. В прейскурантах Лукутиных и Вишняковых значились: альбомные пластины, которые затем монтировались с семейными фотоальбомами; бювары настенные; коробки для сладостей, выложенные внутри оловом; «барабаны для чаю и табаку», также выложенные внутри оловом, чтобы сохранить аромат содержимого; «бочонки», декорированные под черепаху, под ясень, под малахит; запонки из перламутра с живописью и запонки из папье-маше, оправленные в металл и украшенные миниатюрами; игольники-шкафчики; копилки различных форм и размеров; кольца для салфеток с мотивами троек, «русскими типами», с видами Московского Кремля; мольберты настольные для писем и визитных карточек; кронштейны для украшения комнат; марочницы; очешники; пресс-папье. Мужские и дамские папиросники на шарнирах, открывающиеся на две половины; порттабак с ландшафтами; портмоне с муаровой отделкой внутри для визитных карт; подносики и стаканы для сигар, папирос, шпилек, булавок; пудреницы; пеналы для карандашей и перьев; сигарницы настольные и карманные; спичечницы для кабинета и столовой; табакерки мужские «рококо», овальные с рантом, гладкие; чайницы двойные с двумя вставными чайницами и с местечком для полдюжины чайных ложечек, внутри выложенные оловом, рассчитанные на фунт чая, на полфунта, на четверть фунта, «с живописью русских типов, с видами кремля, с китайцами и цветами» и так далее и так далее.

Все вещи обладали безукоризненной отделкой. Наряду с черными лаковыми покрытиями применялись и цветные колера: красные, голубые, синие, зеленые, золотистые и радужные. Все эти колера создавались путем использования металлических подкладок под лессировочные краски. Такие предметы нередко продавались вообще без росписи.

Техника миниатюрной живописи и декоров в федоскинском
промысле.

Федоскинская миниатюрная живопись производится масляными красками в той строгой последовательности стадий и приемов, которую теперь принято называть классической.

Приемы живописи масляными красками были разработаны в эпоху Возрождения в Италии, Нидерландах и Германии. Техника масляной живописи по дереву и холсту сохранялась в общих чертах в цехах живописцев до XVIII в. и как-то сама собой перешла в искусство миниатюристов по лаку, закрепившись здесь в стройной системе специфических приемов письма, обусловленных особенностями лакового дела.

В Федоскине миниатюрная живопись имеет две разновидности, обусловленные техническими особенностями: это так называемые письмо по-плотному и письмо по-сквозному.

Письмо по-плотному . Крышка коробки в этом случае от края до края зачищается пемзовым порошком. На матовую поверхность выдавливаются каплями из тюбика свинцовые белила, которые разравниваются легкими пристукиваниями внутренней стороной ладони, а затем сглаживаются мягкими взмахами большой беличьей кисти, распушенной на конце (своего рода флейц). В результате получается плотный белый грунт, напоминающий по виду хорошо отполированную кость.

На просушенный грунт переводится рисунок миниатюры с тонкого листа бумаги или кальки. Контуры рисунка перед этим аккуратно обводятся с обратной стороны какой-либо нейтральной краской — умброй, сиеной жженой либо охрой красной, затем отпечатываются на грунте лощением листа ногтем большого пальца.
Можно приступать к живописи.

Палитрой для федоскинского художника обычно служит стекло, подбитое с тыльной стороны белилами, — белая палитра. В руках живописца — колонковые кисти особой, тщательной вязки. Краски размешиваются льняным маслом, капля которого помещается тут же, на палитре, рядом с выжатыми из тюбиков красками.

Подмалевок . Первой стадией живописи является так называемый подмалевок. Плотными, корпусными красками мастер стремится закрыть всю поверхность крышки, при этом каждый цвет как бы сплавляется, сцепляется с соседними цветовыми мазками, образуя общий красочный слой, в котором только в самых приблизительных очертаниях намечаются формы изображения. В прошлом такой подмалевок нередко выполнялся двумя-тремя красками: черной, коричневой и охрой в смеси с белилами — так называемая гризайль или полугризайль, устанавливающая тоновые соотношения изображенных предметов и определяющая светотень на них.

Подмалевок требует уверенной руки и быстроты исполнения, поскольку масляная краска имеет свойство в короткое время терять эластичность.

Закончив подмалевок, художник сглаживает красочные мазки нежными, воздушными взмахами беличьей кисти.
Первый слой живописи в естественных условиях сохнет два-три дня, а в сушильном шкафу — 3-4 часа. Затвердевший подмалевок покрывается слоем светлого лака.

Прежде чем приступить к дальнейшей живописи, художник прочищает просушенную лаковую пленку (лак сохнет в естественных условиях в течение суток) хвощом либо порошком пемзы на влажной тряпочке. Затем, слегка протерев подмалевок льняным маслом, художник-миниатюрист создает второй, более тонкий слой живописи, называемый лерелшлевком. В нем уточняются изображенные формы, конкретизируется цвет предметов, проявляются детали. Слегка сфлейцованный перемалевок покрывается лаком, и вновь повторяется процедура подготовки лакированной поверхности к дальнейшим приемам : лессировке и бликовке.

Лессировка представляет собой живопись чистой или смешанной прозрачной краской, наносимой на поверхность перемалевка. Лессировкой художник продолжает моделировать изображенные формы, одновременно усиливает звучание цвета. Бликовка — это последние, заключительные мазки светлой краской, передающие блики на предметах и вызывающие ощущение полной завершенности произведения.

Письмо по-сквозному . В трехслойной системе письма художник-миниатюрист имеет возможность сосредоточить свое внимание поочередно на каждом приеме в отдельности, совершенствуя его и изыскивая наиболее гармоничные связи с предыдущими и последующими приемами. В этих исканиях и родилось в Федоскине так называемое письмо по-сквозному. Основываясь на светопоглощающих свойствах лессировочных красок, т.е. на их способности пропускать сквозь себя свет, федоскинские миниатюристы остроумно применили подкладки под живопись, отражающие свет: алюминиевый грунт, золото, поталь, перламутр.

Металлизированный грунт под сквозное письмо создается следующим образом: на прочищенную крышку коробки наносится тонкий слой светлого лака и выдерживается на воздухе до неполного высыхания — до «отлипа»; затем лаковая пленка присыпается алюминиевым порошком при помощи ватного тампона. Излишки порошка после высыхания лака смываются водой. Листовое сусальное золото или поталь налепляется также на недосушенную лаковую пленку. Перламутровые пластинки врезаются в толщу папье-маше заподлицо с поверхностью изделия посредством скальпеля и скрепляются с основой казеиновым клеем.

Создание миниатюры по сквозному фону требует чрезвычайной тщательности работы во всех стадиях: в переводе рисунка, в подмалевке, перемалевке и бликовке. Световой луч, отраженный от блестящей поверхности, проходя вторично сквозь слой лессировочной краски, заставляет ее гореть с поразительной яркостью.

В руках федоскинцев, таким образом, оказалась единственная в своем роде цветовая палитра, таящая в себе возможность необычайных декоративных эффектов. Особенно благородные цветовые градации дает перламутр — материал прочный, ласкающий глаз нежными цветовыми оттенками, напоминающими о солнечных лучах, блестящих облаках или о морских волнах. Огневыми, приятными для глаза всполохами загораются на федоскинских миниатюрах то небо, то нарядная одежда персонажей.

Тагильские мастера. Цветочная роспись на подносах

Традиционной федоскинской миниатюре присуще органическое соединение приемов письма по-плотному и по-сквозному. Блеск лессиро-вочных красок здесь, как правило, подчиняется общему колориту миниатюры: например, солнечный колорит в миниатюре «Семья» (круглая коробка, вторая половина XIX в. Музей народного искусства, Москва), сумеречный — в миниатюре «Сказки бабушки» (коробка, вторая половина XIX в., музей при Федоскинской фабрике миниатюрной живописи) или колорит лунной зимней ночи в миниатюре А.А.Кругликова «Калядование в Малороссии» (шкатулка, 1943 г., музей при Федоскинской фабрике).

Орнамент. Федоскинская миниатюра иногда дополняется золотым орнаментом преимущественно растительного характера. Орнамент пишется лаком с подмешанными в него белилами (так называемая гульфарба) по матовой поверхности коробки. На выдержанную до отлипа гульфарбу накладывается сусальное золото. Легкими касаниями сухого ватного тампона мастер сбивает лишнее золото, оставляя на черном лаке рельефный золотой узор, который затем уточняется, разрабатывается коричневой краской, преимущественно умброй (рис.4).

Приемы декорировки. Наряду с миниатюрной живописью и золотым, орнаментом в Федоскине были разработаны приемы оригинальной декорировки изделий шотландкой, сканью, цировкой, черепашкой и др.

Шотландкой называется геометрический узор на черной лаковой поверхности небольших коробочек, получаемый путем пересечения прямых линий (нанесенных рейсфедером жидкими красками с помощью линейки и угольника), образующих сложную сетку, отдаленно напоминающую шотландскую ткань.

Шотландка появилась в лукутинском производстве в XIX в. под воздействием английских лаковых изделий. Узор шотландка нередко гравировался резцом по черному лаку до нижележащего листа олова или серебра. Затем линии подцвечивались лессировочными красками, придававшими особую цветовую игру декорированной поверхности. Скань — это наборный узор по сырому лаку из отдельных металлических, серебряных или мельхиоровых деталей — звездочек, листиков, травок, точек и т. п., отбитых на свинцовой матрице специальными пуансонами (чеканами). Детали скани складывают в узор с помощью пинцета. После покрытия тремя слоями светлого лака и полировки сканый узор приобретает тектоническое единство с поверхностью изделия — как правило, небольшого размера.
Цировкой, или сиянием, называют узор из тонких волнистых линий, расходящихся подобно волнообразным лучам от центра коробочки. Цировка производится следующим образом: на первый слой черного непросохшего лака накладывается лист серебра, мельхиора или олова. После высыхания изделие покрывается еще несколькими слоями черного лака. Затем мастер режет узор до металла штихелем с помощью лекала. Иногда цировка создается рейсфедером жидким лаком с последующим накладыванием листиков сусального золота.
Роспись под черепаховую кость производится коричневыми красками по сырому светло-желтому грунту. Художник мягко вплавляет в этот грунт коричневые пятна и разводы, имитирующие рисунок черепаховой кости. Живопись ведется от светло-желтых до коричневых тонов. Завершается имитация ударами черных пятен в наиболее темных местах узора. В прошлом черепашкой нередко декорировалась и внутренняя поверхность изделий. Существовал и еще способ воспроизведения узора, по виду напоминающего черепаховую кость, — методом копчения светло-желтого сырого грунта посредством лампады. Такой узор назывался червячок.

В лукутинском искусстве поздней поры появилась имитация малахитового узора. Она производилась так: в ложке размешивалась зеленая краска на скипидаре и масле, затем краска выливалась в сосуд с водой, где при помешивании палочкой образовывала на поверхности воды прихотливые разводы, напоминающие узоры на срезах малахитового камня. Изделие из папье-маше, покрытое по лаку темно-зеленым грунтом, на миг окунали в сосуд; пленка прилипала к предмету, создавая на нем искомый декор.
Кроме того, в федоскинском искусстве во второй половине XIX в. существовали еще имитация красного дерева, главным образом в декорировании внутренней поверхности вещей,- методом лессировочных покрытий красно-коричневыми красками по более светлому грунту; подражание бересте — масляными красками по фону «слоновая кость».

Завершающие стадии производства изделий из папье-маше. От художников-миниатюристов изделия попадают в руки профессиональных лакировщиков и полировщиков.
Вещи покрываются тремя слоями светлого масляного лака с обязательной просушкой и прочисткой каждого слоя. После покрытия четвертым слоем лака изделия шлифуются зернистой пемзой и бруском и полируются: сначала трепелом <порошком из обожженного черепка), затем цигейковым мехом.
Остается последняя, чисто формальная операция: шарнировщик окончательно вставляет в петли ось шарнира — металлический прутик, скрепляющий крышку с корпусом изделия. Вещь закончена. Она начинает жить как самостоятельное, оригинальное художественное произведение, созданное руками многих мастеров.

Источник: Русские художественные лаки. Б.И.Коромыслов -«Основы художественного ремесла» Практ. пособие для руководителей школ. кружков В.А.Барадулин, Б.И.Коромыслов, Ю.В.Максимов и др.

Ссылки где можно посмотреть мастер-класс и фильм Федоскинская миниатюра

Оцените статью
3 ниточки: рукодельный портал